AZ Reviews: Andrés Calamaro - "Calamaro on the rock"

El 1 de Junio salió a la venta Calamaro on the rock, el nuevo material de Andrés que después de 3 años, volvió a las bateas con nuevo look para seguir demostrando que está en su mejor momento artístico. El disco se editó de distintas maneras de acuerdo el lugar geográfico: En España tiene tapa roja; Argentina y Chile trae tapa celeste; Para México, Colombia y Venezuela lleva tapa verde y en Estados Unidos tapa azul. También tenemos una versión Deluxe: un Cd extra con temas inéditos, remixes y también sale a la venta la edición en Vinilo de 180 gr.

El titulo tiene una rápida reminiscencia rockera y por esto Calamaro on the rock fue grabado intencionalmente con el grupo de músicos que viene acompañando a Andrés desde la gira “2 son multitud” junto a Fito Cabrales: Tito Dávila (teclados); Julian Kanevsky (guitarra); Diego García (guitarra) y dos viejos compañeros de ruta, Candy caramelo (bajo) y José “El niño” Bruno (batería).
Andrés Calamaro es un músico que le gusta colaborar en los discos de sus amigos y también que participen en los suyos, por esto Calamaro on the rock no es la excepción. En esta oportunidad encontramos colaboraciones de: El Cigala; langui ; Niño Josele; Enrique Bumbury; Calle 13; Pablo Lescano y Vicentico para redondear un disco 100% Calamaro: con canciones pegadizas, otras para escuchar y disfrutar atentamente, infaltables músicos invitados y letras hechas con los juegos de palabras y rimas que ya son una marca registrada del Cantante.
El disco abre con “Barcos” un flamenco ortodoxo con coros de El cigala (icono del estilo en España) que al escuchar el ritmo de la canción, es inevitable recordar la etapa junto a Los rodríguez, donde el flamenco estaba siempre presente en sus canciones. El tema trae excelentes arreglos del Niño Josele, que con su guitarra portuguesa arremete con punteos filosos, haciéndonos vibrar al ritmo del folclore gallego. “Te extraño” tiene una redundante letra en la que Calamaro luce el tono de su voz, con falsetes justos y precisos. En esta canción se puede respirar un cierto aire caribeño y el aporte del Langui, entrando en escena con un recitado al mejor estilo hip hopero, hace una canción más que simpática y nostálgica, abriéndole paso a “El pasodoble de los amigos ausentes”, una joyita rescatada, como lo viene haciendo en sus últimos discos, de la etapa de encierro y composición Post – Salmon. Esta versión nos trae un potente ritmo con un sonido ajustado, consecuencia de una banda que viene rodando hace tiempo, y en donde se luce el solo de guitarra compartido de Diego García y Julián Kanevsky, pelando chapa y demostrando que no por casualidad, forman parte de la banda de Andrés.
“Todos se van” y “Los divinos” son esas canciones con el mejor estilo “Calamaresco” que Andrés logro imponer con el correr de los años. Canciones que traen un clima nostálgico, con una base de guitarras acústicas bien marcadas y quizás para los seguidores fieles (no los que se sumaron a partir de “El regreso”) se acerque al Calamaro de Honestidad brutal y El salmón.
“Flor de samurai” llega para ser posiblemente el tema más rockero del disco, con una introducción de guitarras distorsionadas que marcan el tiempo del track, y en el que escuchamos distintos matices de la voz de Andrés, ronca al principio y después arengando un pegadizo estribillo. El séptimo tema es “Insoportablemente cruel”, que se presta para sacarle el jugo al escucharlo, con un ritmo lento, bien marcado, con bueno arreglos de piano y en el que se hace protagonista la trompeta del jazzero Jerry Gonzales , logrando el clímax perfecto para que Andrés nos relate esas letras oscuras y en este caso, se suma René Pérez de Calle 13, con un crudo recitado como él solo sabe hacer. “Tres marías” es una cumbia con coros de Vicentico, que no sorprende tanto este ritmo, ya que “5 minutos mas (minibar) del último disco, La lengua popular, era una “Gilda-toon”, es decir una mezcla de cumbia con reggeaton, según el mismo Andrés. En una lenta versión acústica, llega un clásico: “Te solté la rienda, que con la participación de Enrique Bumbury , hace que esta joyita mexicana deje más que contento al pueblo centroamericano.
El rock se vuelve a hacer presente con “Me envenenaste”, donde el bajo de “candy” Caramelo marca el pulso de la banda , dejando el terreno libre para que los guitarristas Diego G y Julián K decoren el track con deliciosos yeites acompaños de un slai con sutiles aires bluseros.
El disco termina bien arriba con “Gomontonera” una canción que tranquilamente podría haber sido parte del quíntuple Salmon, un potente rock , con un filoso riff de guitarra en la introducción y en el que Calamaro demuestra sus dotes vocales cambiando los tonos y arengando frases como “…Mi tirabombas vos te vas primero (en primera!) , con el plan de ahorro primavera…”
Para finalizar Calamaro on the rock, Andrés vuelve a rescatar de sus cajones una canción del período de encierro: “El perro”, canción hecha en sociedad con el amigo Marcelo “cuino” Scornick y en la que se escucha como introducción, el coro grabado desde el público en la gira del año pasado. Una verdadera canción punk que trae una interesante letra, donde la ironía se hace protagonista para relatar una letra política: “La coima en el senado no es pecado”; “Sufro si me dan lo peor, seguro el ministro no toma blancaflor” y también para ser autorreferencial, recordando el ridículo juicio por la causa “porrito”: “nadie dice esta boca es mía, pero me hacen denuncia por apología”.
Desde la resurrección de Calamaro en el 2005, una gran parte del público se torno reticente a la nueva dirección del Salmon, con trabajos como “Tinta roja”, “El palacio de las flores” y hasta “La Lengua popular”, que mostraba a un Andrés muy distinto al personaje nocturno y solitario que fue a fines del siglo XX . Letras como “Miami”: “Que el mundo se entere qué quieres decirme, que estoy enamorado de todas tus cosas” ; o “La mitad del amor” : “ya no soy el viejo Andrés que no dormía jamás, que subidón , que momento ideal, encontré la mitad del amor” hicieron que parte del publico fanático se alejara o simplemente entendiera la nueva etapa del músico, que merece todo ser humano, pero Calamaro on the rock llega con nuevas y viejas canciones renovadas, haciendo una excelente excusa para reconciliarse con la totalidad del publico y también con sus propias canciones.

Omar Sisterna

Estallando desde el Oeste….

Attaque 77 se presentó en el nuevo recinto de Cultura Rock del Oeste, el club Argentino de Castelar, un gimnasio deportivo por el cual ya pasaron Las Pelotas o Guasones entre otros, y donde el próximo sábado tocará Kapanga. Un nuevo espacio que el Rock gana, en una zona poco frecuentada por bandas de primera línea y que generará un rico y provechoso movimiento artístico por estos pagos.
Attaque, cerró la noche en lo que fue una especie de mini-festival punk, ya que antes que ellos había tocado Estoy Confundida, banda de punk-rock que continua creciendo en el circuito under, compuesta íntegramente por mujeres. Luego de ellas calentó el ambiente Bulldog, que con el Niño de Los Violadores como invitado en el bajo, preparó el terreno para la salida a escena de Attaque 77.
La banda liderada ahora por Mariano Martínez, cada vez más consolidado en su nuevo rol de frontman, tras la salida de Ciro Pertusi a principios del año pasado,abrió con el añejo, pero no menos efectivo, Muy sucio para vos, un show en el continúo presentando su nuevo álbum Estallar. Precisamente con ese tema, que da título al disco, siguieron la lista. Al final del mismo podemos observar todos los signos distintivos de este nuevo Attaque versión 2010. Un Mariano Martínez que se despacha con un gran y extenso solo, marca registrada, al final del tema y una banda sonando precisa y madura arriba del escenario. Es que Attaque, tras el alejamiento de su cara visible, voz principal y guitarrista rítmico, decidió apostar por un power-trío, bien sólido y potente y donde cada integrante cumple bien su función. A la ausencia de una guitarra, la reemplazan con oficio, experiencia y soltura arriba del escenario y se permiten (al final de cada canción) improvisar y hasta versionar partes con solos de cada integrante.
La trama del show fue la siguiente: alternar y mechar temas viejos (…’’que hace mucho no tocamos…’’) con canciones de Estallar. En ese sentido se sucedieron canciones como Volver a empezar, Más de un millón o Caminando por microcentro con otras como Que nos sucedió, Memoria, Cruz o Dale Poder.
No faltaron por supuesto los viejos himnos de la banda, que fueron los momentos de mayor intensidad de la noche, como Espadas y serpientes, Donde las águilas se atreven, El cielo puede esperar o Chicos y Perros.
Antes de arremeter con otro clásico como Flores robadas, Martínez dice’’...en esta canción seguro me voy a olvidar la letra…’’, incitando así al público a cantar con él. En Tres pájaros negros, luego de una larga y extensa intro en clave Reggae, declara…’’…está la queremos dedicar a los fans de todas las épocas..’’, demostrando así que la relación de cariño entre público y banda está intacto, y que Attaque lejos de los rumores de disolución, sorteó con creces el alejamiento de un miembro clave.Esto claro, lo confirman no solo desde el diálogo o desde viejos clásicos, sino desde la música más actual, de sus últimos trabajos, cuando tocan por ejemplo los nuevos himnos, ya inmortalizados por sus seguidores, como Setentistas, Ojos de Perro o Antorcha.
A esta altura del show, es imposible no trasar un paralelismo entre Attaque y quien, junto con los Ramones, fue quizás fuente de inspiración y marco de referencia constante a la hora de crear. Estamos hablando de Green Day. Es que resulta llamativo como ambas bandas, salvando las lógicas distancias, experimentaron caminos paralelos y similares. Recordemos al Green Day de mediados de los 90’, que tras el abrumador éxito de Dookie, se convirtió en una banda adolescente, integrada por punkies descontrolados y millonarios,que hablaban sobre la masturbación, el aburrimiento y antiguas novias en sus letras, y comparémoslo con el Green Day actual, convertido en activista político, banda anti-sistema y que criticó con dureza a Bush en momentos de la Guerra de Irak, musicalizando todo eso en una monumental y majestuosa Opera-Rock. En ese sentido Attaque nunca resignó su búsqueda musical y no dejó de ampliar su panorama y su amplitud a la hora de componer, traspasando la barrera compositiva de los 3 acordes característicos del Punk. Sus últimos discos dan fé de esto, y de cómo abandonaron líricas que hacían referencia al sexo adolescente o a resacas alcoholizadas, para incorporar nociones como la injusticia social, el desempleo, la pobreza, la marginación, el sexismo o la religión. Attaque, es hoy en día una de las bandas nacionales con mayor compromiso social a la hora de componer y con mayor carga de ideales fuertes a la hora de denunciar las miserias de este Sistema, como así lo es Green Day en el marco del Rock Internacional.
El setlist incluyó también a Soy rebelde, Barreda´s way y hasta el bajista Luciano Scaglione tuvo su momento cuando cantó El Francotirador, dedicada a los periodistas que no confían en Maradona, dejando claro que ni siquiera Attaque está excento de la fiebre mundialista.
Así fue como Attaque comenzó a despedirse de Castelar y cerró un gran show. Bienvenido sea entonces el Rock al Oeste y a esperar más visitas.

Matías Roveta

Divididos: Presentación de "Amapola del 66", Luna Park.

Luego de la presentación gratuita en Tilcara, la aplanadora del rock formada por: Ricardo Mollo; Diego Arnedo y Catriel Ciavarella, llegó al Luna Park para mostrar su nuevo material en vivo en Buenos Aires. La última vez que Divididos había presentado un disco en el Luna fue en el año 2000 con la salida de Narigón del siglo, pero desde esa presentación a está, pasaron muchas cosas: la salida del disco “Vengo del placard de otro” en el 2002 ; el alejamiento del baterista Jorge Araujo ; la exploración acústica con los “acusticones” que les dio un disco en vivo “Vivo acá” ; la entrada de Catriel Ciavarella en la batería; la creación del estudio de grabación y el estreno del sello discográfico propio: “La Calandria”. Todo esto fue parte del proceso para la llegada, después de 8 años, de Amapola del 66, décimo disco de la banda que presentaron el miércoles 2 de junio del 2010.
Pasados 15 minutos de la hora prevista se apagaron las luces del Luna Park, la gente eufórica empezó a saltar y a cantar sus clásicos cantos para alentar al power trío, que abrió el show con un inesperado “El arriero”. Dejando en claro, desde el primer tema, que este no iba a ser un recital más de la banda, en los que los primeros 8 temas de la lista suelen ir pegados uno atrás de otro. En este caso, luego de terminar cada tema, Mollo cambiaba su guitarra (¡cómo trabajaron los asistentes!) demorando unos minutitos para dar inicio a cada tema. Así arrancaron la fiesta de Amapola con :“El arriero”; “Hombres en u”; “Buscando un ángel”; “Mantecoso”; “Muerto a laburar” y pegadito los asistentes empezaron a preparar los micrófonos y sillas para dar inicio a un set más intimista, acústico donde empezaron a desfilar distintos invitados: Peteco Carabajal (violín); Sandra Farias (danza y bombos); Nazareno Saavedra (bombos), Gustavo Valeriano (guitarra); Facundo Nardote (lap steel); José González (vientos), José Toconás (charango); Rubén Patagonia (voz); Micaela Chauque (voz); Fabiana Cantilo (voz); Isabel de Sebastián (voz); Claudia Puyó (voz) y Ciro Fogliatta (teclados). La parte “tranquila” del show empezó con “Vientito del Tucumán”, luego siguieron “Avanzando retroceden” (impecable silencio en este momento), “La flor azul” acompañado por los aplausos del público al ritmo de la chacarera , “Par mil”, “Guanuqueando”, “Qué ves” con un solo de Peteco Carabajal que quedó para la historia y “Mañana en el abasto” que culminó con un festejado aplauso.
El trío siguió mostrando el nuevo material con absoluta tranquilidad y quizás le seguidilla de temas que más marcó el concepto del disco fueron “Boyar nocturno”, “Senderos”, “Jujuy”, “Cristofolo cacarnú” e “Indio deja el mezcal”, dejando un clima de emoción, donde las pantallas disparaban distintas imágenes de los paisajes norteños proponiendo una nueva “valoración” del territorio nacional. También sonaron “Caminando” y “Todos”, con un excelente juego de imágenes sobre la campaña de concientización que realizaron varios artistas (entre ellos Ricardo Mollo) por la tragedia de ECOS. Después llego “El perro funk”, que abrió el último tramo del show al re palo con “Sucio y desprolijo”, “Rasputín”, “El 38”, “Ala delta” y una verdadera joyita: la preciosa versión del tema Beatle “With A Little Help From My Friends”. Cerraron con “Amapola del 66” e imágenes que adelantaron lo que será el lanzamiento del DVD de la presentación del disco en Jujuy. Y cuando todo parecía terminar, Catriel empezó a pegarle a los bombos para arengar una poderosa versión de “Nextweek” de Sumo, que terminó con una zapada demoledora junto al Condor Arnedo dejando al público más que aturdido.
“Gracias por fumarse todo el disco acá, no es fácil” dijo Mollo antes de retirarse del escenario, dejando más que en claro que ellos mismos sabían que no dieron un show como a los que nos tienen acostumbrados… Y los que se preguntaron por temas como: “Paisano de Hurlingham”; “Casi estatua “, “Salir a asustar”; “Nene de antes” o “Alma de budín”, fue porque no entendieron que Divididos no quiso mostrar solamente los “temas nuevos”, sino hacer un verdadero show con el espíritu y la temática del concepto que muestra la antítesis “urbanización – paisaje natural” que proponen con Amapola del 66.

Omar Sisterna

"El Mató no es Sonic Youth en castellano, ni tampoco Los Piojos, ni nada"

AZ charló con Santiago Motorizado de El Mató a un Policía Motorizado y se metió de lleno en la “gira del nuevo magnetismo”.

Desde hace un tiempo que El Mató, dejó de ser una promesa para ser una realidad. Es una de las bandas nacionales “que tienen otra búsqueda”, como bien afirma Santiago Motorizado, cantante y bajista de los oriundos de La Plata, la famosa ciudad de las diagonales y cuna de una mística copera y ricotera.
En está era del “indie barrial”, El Mató es el máximo exponente de una movida diferente y fresca a la ofrecida por el clasico rock nacional. Y ahora la banda se va a girar por el viejo mundo, espero que vuelvas chica rutera.

AZ: ¿Cuáles son las nuevas noticias en el universo de El Mató?

Santiago Motorizado: Y que ya estamos preparando canciones nuevas, para grabar en algún momento del año un disco nuevo. Y ahora vamos a seguir tocando, a fines de mayo (nota de edición: 27 de mayo) vamos a estar tocando en el Primavera Sound en Barcelona y eso ahora es lo más loco que te puedo contar.

AZ: ¿Cómo surgió esa propuesta de tocar en Barcelona?

SM: Y surgió porque armaron un escenario “Porao do Rock”, que es un festival importante en Brasil. Nosotros tocamos en la última edición en Brasilia. Y bueno la gente que estaba organizando eso, también nos invitó a participar del escenario. Por el lado de Brasil nos infiltramos jajaja.

AZ: Jajaja, bastante impensado lograr esto cuando sacaron el primer disco en el 2004, ¿no?

SM: Obvio, es increíble, es impensado de cualquier época, pensar que muchas bandas, no sé si habrá tocado alguna banda argentina ahí, no tengo idea igual mucho… la historia. Pero es como difícil, no le dan mucha bola al rock latinoamericano, como que no lo tienen mucho en cuenta, no lo conocen tampoco creo, ¿no? desde la organización. Bueno, salió está posibilidad y está bueno, es genial, es muy loco.

AZ: Ustedes no vienen de la tradición del típico rock nacional, más bien tienen una impronta, por dar un ejemplo, del estilo de Sonic Youth y de todo el universo alternativo. ¿Cómo se sienten con eso?

SM: El Mató es una mezcla de todo, o sea no es Sonic Youth en castellano, ni tampoco Los Piojos, ni nada. Es una mezcla de varias cosas y está bueno. Tiene personalidad y estamos contentos con eso, con lo que hacemos.

AZ: ¿Cómo toman ustedes haber logrado toda está repercusión, siendo independientes?

SM: Está bueno eso digamos, que seamos independiente, que ya hacemos todo nosotros desde el principio. Que la banda aparezca en lugares que por ahí antes eran totales de la industria, del mainstream, está bueno. Colarse es divertido, está bueno que se vayan colando más bandas independientes y se vaya rompiendo toda esa estructura obvia, digamos.

AZ: Siendo ustedes la cara visible, de toda una movida con Laptra y de varias bandas de la zona sur, creo que los pone como ejemplo a seguir por las bandas nuevas. ¿No? ¿Cómo lo ven a esto?

SM: Eso está bueno, si, yo veo que muchas bandas, mas allá de lo musical ¿no?, que ven lo que hacemos como “una especie de camino a seguir”. Viste que cada uno tiene su personalidad igual y hace cosas diferentes pero está bueno. Y toman el hecho de que nosotros siempre hicimos lo que quisimos y bueno, ellos hacen lo mismo. Algunos se dedican más a unas cosas, otros a otras, pero está bueno eso. Ellos supieron que nosotros haciendo lo que queríamos, estamos bien, la pasamos bien, hicimos las cosas bien y entonces se genera eso nuevo que está buenísimo y eso es genial.

AZ: ¿Qué tal estuvo la experiencia de actuar en la película Ocio?

SM: Estuvo divertido. Me llamó Lingenti, el director, que es amigo mío. No la vi yo todavía, los días que estuvo en el BAFICI no pude verla, así que no se no puedo opinar de la película, ajajaj.

AZ: Jajajaj ¿Pero cómo te sentiste vos?

SM: Yo me sentí bien. Capaz que en un momento la flasheé y capaz que me puse un poco nervioso pero fue divertido. No sé ahora me va a dar un poco de vergüenza ir a verla ajaja, pero bueno, todo bien. Estuvo divertido.

AZ: ¿Y Gimnasia? ¿Cómo te sentis con su situación?

SM: Ahora estoy tranquilo, yo quería que se vaya Chaca y se fue… y Atlético también. Así que por lo menos estamos tranquilos del descenso directo. Pero bueno la promoción también es una experiencia media fea, pero bueno vamos a ver qué sale de todo esto.

Joel Vargas

Fotografía: Matías G. Fernández

AZ Reviews: Divididos - "Amapola del 66"

Divididos, la aplanadora del Rock and Roll, rompió el silencio discográfico y luego de más de ocho años desde la salida de su última placa “Vengo del Placard de otro”, lanzó al mercado el flamante “Amapola del 66” que lejos del ser un mero disco más en la vasta discografía de la banda de Hurlingham, se trata de un nuevo punto de partida para la banda.

Es el primero editado en forma independiente por “La Calandria”, el sello propio de Divididos y es también el primero editado con la participación de Catriel Ciavarella en la batería (quien toca con la banda desde mediados de 2005), y eso en un trío de Power Rock no es poca cosa.

Lo primero que hay que mencionar es que la salida de un nuevo disco por parte de cualquier banda consagrada -sea nacional o internacional- genera muchísimas expectativas, más si se tratan de ocho años de espera. Ya desde su primera escucha “Amapola del 66” cumple largamente con las expectativas generadas. De hecho es una excelente disco de Rock que respeta el estilo histórico que les brindó el mote de aplanadora, suma nuevos sonidos y estilos, y significa sin dudas uno de los mejores lanzamientos discográficos de los ultimos tiempos. Es que Divididos parece rescatar su sello distintivo de siempre y lo refleja canción a canción.

A diferencia de su antecesor “Vengo del placard…’’, en el cual casi no se advierte ningún solo de guitarra, en este nuevo disco el motor y corazón de la obra es la guitarra de Mollo con sus arreglos y solos que suelen ser hasta dos o tres por canción. Esto queda reflejado en el tema “Boyar nocturno”, una gran balada que rememora a históricas canciones de bandas legendarias como “Confortably Numb” de Pink Floyd, con dos solos que atraviesan el tema: uno mas cristalino y puro, y el otro -el final-, más agresivo y furioso.

Se advierten también en varias de sus canciones cambios de ritmos y tiempos abruptos, como por ejemplo en el tema que abre el disco, “Hombres en U”, con un gran arranque a pura potencia que nos traslada a los grandes inicios de obras cumbres de la banda como “Salir a Asustar” o “Casi Estatua”; también en canciones como “Buscando un Ángel”, una canción que relata la búsqueda por parte de un ser solitario en medio de una metrópoli que necesita ser escuchado por alguien, donde se pasa de un Rock potente y veloz a un Reggae; o en “Mantecoso”, que a modo de homenaje recuerda una anécdota en tiempos de Sumo relacionada a los viajes de la banda e incluye a Gillespie, y se pasa de un potente Funk-Rock a la entrada de un gran solo blusero ejecutado por Mollo.

Hay reminiscencias a los grandes violeros que influenciaron a Mollo como Hendrix o Pappo, cosa que se deja entrever en los geniales y multitudinarios arreglos y solos de guitarra y hasta alguna influencia beatle que nos recuerda a temas como “Straberry Fields Forever”, por ejemplo en algunos pasajes de “Muerto a laburar”, uno de los puntos más altos del disco. La canción comienza suave, en formato balada, para subir rápidamente y explotar con un gran estribillo. La letra parece hacer referencia a Luca (…”justo a 20 años del adiós”...), pero bien puede aplicarse a cualquier héroe muerto de la cultura rock (Lennon, Morrison, Cobain…), y describe ese cruel mecanismo morboso de la industria capitalista, que incluye la venta de todo tipo de productos como remeras o banderas y que juega con la pasión de la gente “…Ay! si volvieras acá no podrias creer, lo que pasó… hoy, sos el morbo pasión, capo del algodón, bandera y ringtones…”, reza la letra en todo una declaracion de principios.

Y si de principios hablamos debemos mencionar a “Amapola del 66”, el tema que da título al disco y que oficia como primer corte de difusión. Este tema, parece resumir perfectamente el concepto del disco: la letra dispara mensajes de esperanza alentadores en frases como”Ponte de pie!, hombre ilusión”. Prioriza el contacto humano y relacional en frases como “…todo esta vivo a pesar del dolor, si me sonreís…” por sobre el advenimineto de la tecnología y rescata el valor del contacto con la naturaleza, algo que queda claro con la hermosa foto de tapa del disco.

El disco incluye un homenaje al norte argentino en general y al pueblo jujeño de Tilcara en particular, lugar elegido por la banda para la presentación en vivo del disco, en dos grandisimas canciones, “Senderos” y “Jujuy”, que son atravesadas y unidas por un poema relatado por el poeta jujeño Germán “Churqui” Choquevilca. En “Jujuy”, Mollo se queja y lamenta por lo que la tecnologia y la posmodernidad generaron en cuanto a la destrucción de los hermosos paisajes naturales del valle jujeño,o lo ocurrido en materia de saqueos y violencia. También incluye la infaltable canción folcklorica a las que Divididos nos tiene acostumbrados desde hace tiempo. “La flor azul”, compuesta por Mario Arnedo Gallo -padre del bajista Diego Arnedo-, en formato de chacarera, y hasta una canción acústica compuesta y cantada por el propio Arnedo, llamada “Avanzando retroceden”,algo que no sucedía desde el tema “Hace que hace” del disco “Otroletravalanda”, de 1995.

Matías Roveta

AZ Reviews: Skay y los seguidores de la Diosa Kali - "¿Dónde vas?"

¿Dónde vas?, ese es el título que Eduardo ''Skay Beilinson eligió para su cuarto disco solista. En realidad ya no tan solo. Nuevamente el guitarrista se presenta en presencia de ''Los Seguidores de la Diosa Kali'', lo cual nos transmite el mensaje de que aquí lo que hay es una banda bien compacta y aceitada que suena con contundencia, arreglos bien ejecutados, con la guitarra de Skay como el corazón y horizonte lógico del grupo, pero con una presencia bien marcada del resto de los componentes. El bajo a manos de Claudio Quartero, quien participa como co-compositor en dos canciones,suena punzante y arremete en temas como ''Lejos de casa''; la batería a cargo del ''Topo'' Espíndola marca el ritmo, y la segunda guitarra de Oscar Reyna ya no solo acompaña sino que ahora toca solos y riffs. La banda se completa con Javier Lecumberry en teclados.
Cuando uno está en presencia del disco, surgen rápidamente dos conclusiones. Por un lado, el diseño y la presentación del mismo: una especie de obra artística monumental creada una vez más (como a lo largo de toda la saga solista de Skay) por el maestro Rocambole. El disco viene dentro de un libro acordonado, con marcas y letras en relieve, envuelto en un pedazo de tela e inserto en una caja, que en su portada presenta un reloj de arena, con arena auténtica dentro. Una obra maestra del ''mono'' Cohen, que continúa la línea inagurada con Los Redondos en Luzbelito (1996) y continuada con Ultimo bondi a Finisterre(1998), Momo Sampler(2000) y todos los discos solistas de Skay. Discos todos ellos editados bajo una presentación artesanal, original y con un packaging sorprendente, que en épocas de crísis de la industria discográfica, dan buenos motivos, más allá de su gran música, para querer comprar el álbum y no bajarlo de la red.
Lo segundo que podemos deducir es que se trata del primer disco conceptual de Skay. Hay dos grandes temáticas que recorren y atraviesan la obra. Por un lado la mención a los viajes y las distancias, y por otra lado la idea del tiempo y su paso en la vida de los seres humanos. Desde su título, el mencionado reloj de arena en la tapa, su lírica y poesía, y el nombre de algunos tracks como ''Lejos de casa'', ''El viaje de Mary'' y ''La luna en Fez'', el álbum parece estar unido por una idea común.
Precisamente con ''La luna en Fez'' comienza el disco. El tema, inicia con reminiscencias a la musica oriental y cuenta con Sebastián Fentanes (Xeito Novo y Noitebra) tocando la gaita. La letra y su música hacen alusión al último viaje del guitarrista, en compañía de Poly, precisamente a Fez, Marruecos. Skay, ya desde su paso por Los Redondos, mostró siempre simpatía por la música de Oriente y este viaje a Fez, y el impacto que causaron en él la cultura Oriental, parecen una confirmación. La analogía con George Harrison (fuente de inspiración e influencia para Skay), sus viajes a la India y la aplicación de la música india al imaginario Beatle, es inevitable.
En el arranque del disco destacan dos canciones. Una, ''En el camino'', un rock sencillo y a medio tiempo, con la banda zapando en el final y aplausos incluidos, contiene una de las letras más significativas del disco. Skay en toda una declaración de principios parece resumir perfectamente su espíritu actual y el estado de las cosas en época post-Redondos, como así también algunas confirmaciones de su ideología libertaria con hechos que ocurrieron en el pasado, en frases como...''El rebaño abandoné, yo decido caminar, libre bien libre por allí, y al destino desafiar...'', o ...''Mi buena estrella guía no me abandonará, nada tengo que perder y nada que ganar, yo prefiero desafiar al destino, y recorrer los caminos de la libertad ''....
La otra, ‘‘Aves Migratorias'', apoyada en un doble riff de guitarra, que nos recuerda al sonido de ''Humano roto y mal parado'' y que sigue la línea de ‘’Síndrome del trapecista’’ y de ‘’Tal vez mañana’’ de su etapa solista, lo consagra a Skay una vez más como genio-creador de esa inagotable fuente de riffs de sello propio y distintivo. Su letra hace relación a los pensamientos, a los cambios de conciencia y a dar rienda suelta a la imaginación, con metáforas que incluyen a las aves y a los pájaros.
Skay refuerza su visión apocalíptica de la condición humana en tiempos modernos, en temas como ''Territorio caníbal'' y ''Aplausos en cosmos'', una marcha cadenciosa y que avanza a pasos firmes en la cual declara...''Crueles mentirosos, violentos e implacables, tiranos y oprimidos, somos la humanidad''. También los oídos ricoteros más puristas celebrarán con gusto a ''Suelo Chamán'' y ''El viaje de Mary'', dos canciones sostenidas por un poderoso e implacable riff, que bien podrían haber sido incluidos en ''La mosca y la sopa'' o ''Un baión para el ojo idiota''.
''Tarde de lluvia'', un blues oscuro, enigmático y misterioso que incluye ''...un homenaje a Manal... ‘‘(Skay dixit), la bella melodía que hipnotiza en el potente estribillo de ''La rueda de las vanidades'', el mencionado bajo en ''Lejos de casa'' y la guitarra acústica, en clave country y bluesera, de ''La pared rojo lacre'' completan un gran disco del guitarrista Redondo, que lo confirman como una gran compositor al frente de una banda potente y entrenada.

Matías Roveta

De visita en El Día de la Tierra

Hacia frío, mucho frío el sábado pasado en la plaza Naciones Unidas (más conocida como "el lugar donde está la flor de metal") en Recoleta, pero se sentía calor que emanaba del escenario, donde varias bandas la rompían. Esto fue en el marco de la tercera edición del festival del Día de la Tierra, donde se acercó mucha cantidad de público a disfrutar de los shows gratuitos.
La organización artística y musical estuvo a cargo del sello discográfico "Estamos Felices", el cual preparó un mix bastante interesante de artistas en el escenario entre los que se pueden destacar a Bebel Gilberto, cantautora brasileña; Aztecas Tupro, banda de rock latino en ascenso que está cumpliendo 15 años de trayectoria; Yicos, banda revelación de la zona oeste; Hablan por la Espalda, genial banda uruguaya que se está asomando de a poco y Él Mató a un Policía Motorizado, banda indie que dejó ser una promesa para ser una realidad.
Muchas bandas coincidieron en lo importante de la participación y de la realización de este evento. Huevo, cantante de Aztecas Tupro, dijo: "Nos pareció una ocasión copada, la propuesta realmente está buena, es una propuesta de concientizar, así que todo lo que sea positivo vamos para adelante, ahí estamos". Santiago Motorizado, bajista y cantante de Él Mató, coincidió diciendo que “son eventos que tienen buena producción, buen sonido y son gratis para la gente. Y a nosotros nos gusta eso.”
Sin lugar a dudas la puesta en escena de cada banda fue bastante buena. Cada una respetó sus estilos y tuvieron buena recepción del público, cautivando de diferentes modos: Aztecas con su propuesta bailable hizo olvidar al frío un rato al ritmo de algunas cumbias, Yicos con su combo “soundmachine” también hizo mover el esqueleto y Hablan por la Espalda fue una ráfaga de “candomblues” con Fermín, su cantante, que fue el predicador en un estado de trance rockero. El cierre estuvo a cargo de las melodías sonicas y cósmicas de Él Mató y sus ya conocidos hits que hacen que agites y saltes sin parar. Bienvenidos a la era del Indie barrial.
Algo para pensar: si se estaba festejando el día de la tierra ¿Por qué el público tiró basura al piso en todo el predio? Y sí, siempre estamos igual…

Nota: Joel Vargas

Fotografía: Matías G. Fernández

Logorama: su logo aquí

Un corto animado creado por el grupo francés H5 nos muestra la influencia de las marcas comerciales en la sociedad y con un Oscar bajo el brazo, se anima a burlarse de ellas.

El cortometraje Logorama dura alrededor de diecisiete minutos y su historia nos sitúa en la ciudad de Los Ángeles, donde conviven más de 2.500 de logotipos mundialmente reconocidos. Sus creadores, François Alaux, Hervé de Crecy y Ludovic Houplain, nos demuestran a través de los hechos que se suceden a lo largo de la historia -con Ronald McDonald en el papel el malo de la película- el nivel de penetración que tiene el mundo comercial sobre la vida diaria y cómo al final todo termina de la forma más inverosímil y absurda posible. Este trabajo le valió al grupo H5, integrado por Alaux, de Crecy y Houplain entre otros, la Palma de Oro en Cannes 2009 y un Oscar en la categoría de Mejor Corto Animado el mismo año.

Logorama - 1era. parte

Logorama - 2da. parte

Videografía - Spike Jonze

Segunda Parte

Hoy vamos a seguir repasando un poco más de la excelente carrera como director de videos de Spike Jonze.
En está selección que hicimos, se puede ver como en el periodo que transcurre de 1994 hasta el 2000, Jonze empieza a incursionar en otros géneros musicales como el “electro – dance”, asociándose a Fatboy Slim, The Chemical Brothers y Daft Punk. Igualmente no deja lado sus raíces alternativas e influencias provenientes del mundo del skate y realiza varios videos de los Beastie Boys, Weezer, Sonic Youth y Pavement.
En este periodo se pueden destacar los dos geniales y multipremiados videos de Fatboy Slim, el video donde colabora con Bjork (“It's, Oh, So Quiet”, logrando una impecable obra de arte audiovisual) y el reconocido video de los Beastie Boys “Sabotage”, rescatando el espíritu de las series policiales de los 70, parodiándolas. Un párrafo aparte merece “Da Funk” de Daft Punk, uno de sus puntos creativos más alto en su carrera, donde entra en juego una estética “futurista-surrealista”.


1994 - Beastie Boys "Sabotage"

1995 - Bjork "It's Oh So Quiet"

Bjork - It's Oh So Quiet
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1997 - Daft Punk "Da Funk"

Daft Punk - Da Funk
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1997 - The Chemical Brothers "Elektrobank"

Chemical Brothers - Elektrobank
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1997 - Pavement "Shady Lane"

1998 - Fatboy Slim "Praise You"

2000 - Fatboy Slim "Weapon of Choice"

Primera Parte

Una cita con Ernesto

Un día domingo de pascuas decidí pasar por el cine y me encontré con esta: “Ernesto Sábato, mi padre”. Una película documental realizada por Mario Sábato, su hijo, que transita a manera de retrato la vida del célebre autor desde una mirada intima y nostálgica, haciendo énfasis, no tanto en su carrera que todos conocemos, sino mas bien en su costado más humano y vulnerable. Era de esperar. Ya al poco de empezar dice algo así: “Para muchos Ernesto Sábato era el gran escritor argentino. Para mí, era mi padre”. Mario también advierte que es una obra realizada sin objetividades ni investigación. “Es la historia que viví, como la viví y cómo me la contaron”.
Mediante gran cantidad de material de archivo que se encontraba juntando polvo en una habitación abandonada, en su mayor parte filmado por Mario a lo largo de su vida como películas hogareñas y viejos documentales con entrevistas al escritor, el documental se fragmenta en diversos capítulos donde recorremos su infancia, el barrio de Santos Lugares, su formación académica, inclinación política, obras literarias y plásticas, amores, y sobre todo, LA FAMILIA. La familia como unos de los valores más altos de la vida.
No es para nada un documental pretencioso. Al contrario, es directo, transparente y espontáneo. Sin embargo, no tiene más poder que el peso del material acumulado. En ese sentido me parece que Mario se quedo a mitad de camino, y si le quitáramos el hecho de ser su hijo, el documental solo sería una recolección más o menos organizada de viejas imágenes. Pero en fin, lo disfrute, me llegó, vale verlo.

Por Matías Fernández

Videografía - Spike Jonze

Primera Parte

Para que limen un poquito la cabeza vamos a repasar un poco de la videografía del aclamado director Spike Jonze, que siempre está asociado a la movida alternativa estadounidense. Si no me creen miren algunos de los temas de los cuales hizo los videos... ¡Clásicos alternativos de los 90!
Seguro conocen sus dos películas más famosas, que hoy en día se están transformando en films de culto: “¿Quieres ser John Malkovich?” y “El Ladrón de Orquídeas”. Y si nos las vieron, véanlas son totalmente recomendables. Súmenle a todo esto que fue uno de los creadores de Jackass, por si no la conocen fue una serie de televisión de la cadena Mtv, donde unos tipos se mataban a palos haciendo pruebas totalmente locas . Aunque seguro oíste hablar de ella, ya que fue un emblema con el que creció la generación del 2000.

Sin más que decir, Enjoy!

1992 - "100 %", Sonic Youth

1993 - "Cannonball", The Breeders (co-dirigido con Kim Gordon)

1993 - "Time for livin", Beastie Boys

1994 - "Buddy Holly", Weezer

1994 - "Feel The Pain", Dinosaur Jr.

Steve McCurry en el Borges

Una mirada humana, demasiada humana

Desde el jueves 25 de febrero se está exhibiendo en el Centro Cultural Borges (Viamonte, esq. San Martín, Capital Federal), una colección de 110 fotografías del reconocido fotógrafo norteamericano Steve McCurry. Si, ese mismo que hizo la famosa foto de la niña afgana de ojos verdes para la portada de National Geographic.
La muestra hace un recorrido de gran parte de su obra desde los años ochenta hasta hoy, haciéndonos viajar a través de la mirada documental del autor por variados sectores del mundo con todos sus matices. McCurry cubrió Afganistán, Sri Lanka, el Tíbet, la India, Japón, entre otras; y también áreas de conflicto, como la guerra Irak-Irán, la desintegración de Yugoslavia, Beirut, Camboya, Filipinas, la Guerra del Golfo, China y la situación en Afganistán. McCurry pretende capturar la esencia de la lucha humana y la alegría, la diversidad cultural y sus conflictos que las modifican y que en ocasiones las hacen desaparecer.
Es realmente impresionante la calidad fotográfica de estas imágenes, son impecables desde todos los puntos de vista, y a su vez, invaluables documentos históricos donde el color juega un papel importante. Los retratos son una de las joyitas, en los cuales el fotógrafo supo capturar la esencia de cada uno de los personajes que tuvo frente a su objetivo. Las miradas lo dicen todo y los acontecimientos erizan los pelos. Como quien decía: “Estar a la hora justa y en el lugar adecuado”, hasta el punto que uno podría pensar que McCurry predice lo que va a pasar, lo espera y lo captura para la eternidad.


Curadora: Virginia Fabri

El costo de la entrada general es de $10 y $8 para Estudiantes y Jubilados.

La muestra se puede visitar de lunes a sábados de 10 a 21 hs y los domingos de 12 a 21 hs.

por Matías G. Fernández

Luis Felipe Noé. El artista del Caos

Muestra: Noé en la Bienal de Venecia 2009

Dónde: Museo Nacional de Bellas Artes. Bs. As.- Planta Baja – Pabellón

Cuándo: Del 18 de Diciembre al 31 de Enero de 2010.

Martes a viernes de 12.30 a 20.30

Sábados y domingos de 9.30 a 20.30 hs.

Cuánto: Entrada gratuita

Detalle de “La estática velocidad”.

Con casi 80 años de vida y 50 cumplidos en el arte desde su primera exposición en 1959, Noé sigue vigente en la escena creando e innovando con técnicas y materiales que sólo él combina de forma tal que resultan en una explosión de colores y dibujos. Éstos, luchan entre sí en una batalla interminable y dan como resultado un todo armonioso dentro de un caos general. En palabras del mismo artista: "Creo en el caos como valor".

La historia es así. El gran artista argentino Luis Felipe Noé, de formación autodidacta; en la década del ’60 fundó el grupo Otra Figuración / Nueva Figuració

n en el que participó junto a otros grandes como Rómulo Macció, Ernesto Deira y Jorge De La Vega. En el 2009 fue elegido para representar al país en la 53° Bienal de Arte de Venecia que se llevó a cabo el pasado 9 de junio. Dicho evento es uno de los más importantes a nivel internacio

nal, y en esta última edición ha sido dirigida por el curador Daniel Birnbaum. El lema elegido para la ocasión fue “Fare Mondi”

o “Crear mundos”; y bajo esa consigna es que el enviado oficial por Argentina, el curador Fabián Lebenglik, pensó en Felipe Noé a la hora de representar el arte de nuestro país.

Su obra fue expuesta en el “Spazio Eventi” de la Librería Mondadori y esta compuesta de dos murales de grandes dimensiones. Actualmente -y hasta el 31 de enero- se presentan estos mismos trabajos en el Museo Nacional de Bellas Artes junto con la proyección de un video realizado por Juan Chiesa y Ana Rubira Fermín que relata cómo fue el armado, traslado y montaje en Venecia.

“Yuyo” Noé trabajó a contrarreloj durante cinco intensos meses en estas obras – murales. Las mismas conforman el proyecto “Red” y quieren representar el caos del mundo y su coexistencia e interacción en la gran red global que nos rodea.

Uno de los murales, llamado “La estática velocidad”, causa un gran impacto por su tamaño (once metros de largo por tres de alto) y por sus vibrantes colores que generan varios focos de atención que se van entrelazando como un gran rompecabezas. El otro mural se llama “Nos estamos entendiendo” y esta compuesto por 15 paneles de formas y tamaños irregulares recubiertos en detalle, con colores muy brillantes y papeles recortados previamente pintados. Según Noé, con este mural quiere expresar “El despelote del mundo”.

“La estática velocidad”

Lo que más llama la atención y sorprende al observar estas obras, es que la forma de trabajar de dicho artista es un “work in progress” es decir, no hay un boceto preestablecido, sino que se van elaborando a medida que se hacen. Noé va improvisando directamente sobre la tela. Por ese mismo motivo se puede observar la combinación de técnicas de pintura, dibujo, collage, y el uso de todo tipo de materiales como óleos, acrílicos, marcadores, resaltadores, fibras y glitters que van irrumpiendo a cada paso en el lienzo.

En fin, basta de tantas palabras. Después de todo, cuando vayan a visitar la muestra y admirar el caos retratado por Noé, seguramente van a salir con la idea de que no hay otro adjetivo más simple y adecuado para definir a este artista que CAPO. Y con mayúsculas.

“Nos estamos entendiendo”.

Nota: Lucía De Francesco