Lugar: Unione e Benevolenza Clima rockero: caluroso, pesado, glamuroso, tormentas de luces y guitarras.
Ese sería un buen resumen de lo ocurrido en aquella calurosa noche de verano en Unione e Benevolenza donde fue registrado este recital de The Tandooris. Acompañados (como siempre) por sus bellas coristas, las Sin Sisters, el conjunto liderado por Dee Gee Tandoori hace gala de ese mix de sucio garage, desfachatado glam y arrolladoras guitarras que tanto gustan a sus seguidores. Temas como "Science ficition guaranteed", "She spreads flowers" y "Open up your door" dicen presente a todo volumen y además tres bonus track también hacen lo propio por si te quedaste con ganas de rockear.
La banda del oeste cumple ocho años y habla de lo que viene: videos, nuevos temas y tocar en su casa, San Antonio de Padua.
AZ: ¿Cómo es haber empezado a tocar en Padua y ahora tener la chance de tocar en lugares como Niceto? Luciano: Tocamos como en Niceto como en Padua, y en los dos lados está re bueno, Padua es súper familiar y se genera algo que no se genera en otro lugar. Cuando tocamos en el Konex con Bicicletas nos sentimos re cómodos y no sabíamos lo que iba a pasar, tocábamos primero y de invitados y estuvo re bueno. Estuvo buenísimo.
Pato: Nosotros seguimos como laburando día a día y bueno las cosas que vendrán serán con la mejor y tratar de poner la mejor pero bueno, siempre hay que seguir laburando y bueno, no es fácil pero bueno, nada… con el corazón y con las ganas de hacerlo porque es lo que nos gusta. La idea también es seguir tocando en capital, pero bueno, también vamos a pasitos tranquilos. Vamos viendo lo que va surgiendo en el momento, tranqui tranqui.
Luciano: Son cosas que se van dando y está bueno poder tocar. Hace bastante que estamos tocando y está bueno que de vez en cuando como que llegue un poco más. Más que nada porque está bueno que le llegue a más gente la música que hacemos por eso está bueno, no por flashear por la fama y eso. Está bueno porque la música llega a más gente y a veces viene alguien de un lugar remoto y te dice “escuche Yicos y está re bueno”, y está bueno tener un poco más de difusión. AZ: ¿Cómo es la relación con las otras bandas del oeste? Luciano: De diez, de diez. Como que hace años que vinimos tocando y no sé, si por el estilo o por lo que hacemos pero podemos tocar siempre con un montón de gente y está todo bien con todos. Cuando nos invitan a festivales reggae, nosotros no hacemos reggae, pero nos invitan y está todo bien y podemos tocar. Yo siento un poco que la música de Yicos es eso: que puede tocar en cualquier lugar y estar acorde con todos, no porque es una búsqueda sino porque es una música que nos gusta a nosotros y todos escuchamos un montón de música de todo el país. Al ser tan abiertos musicalmente también tenemos abiertas las puertas a un montón de eventos.
AZ: ¿Tienen en mente un disco nuevo para este año y seguir tocando? Luciano: No teníamos pensado tocar tanto este año. El año pasado tocamos un montón. La idea de este año era no tocar tanto por una cuestión de empezar a generar una música más nueva para nosotros, hacer temas nuevos y no tocar tanto. Disco nuevo no, pero hacer temas nuevos y darnos un poco más de gustos. Estamos estrenando una sala, una sala nueva. Estamos descubriendo un poco eso y bueno sí posiblemente más adelante sí, un disco. Pero no sabemos. Está medio raro con el tema de sacar un disco, vamos a empezar a hacer temas y después vemos, pero hay otras propuestas que también tenemos ganas de hacer, que son más cosas audiovisuales pero no sabemos. Queremos hacer como no un videoclip, sino como un videoclip largo, sería como… tampoco es un documental sería como hacer algo como un proyecto… un proyecto audiovisual extenso que no sea un documental, es un video bueno.
AZ: Volviendo para el oeste: en unos días cierra el bar Frida, un lugar muy especial para ustedes… Pato: Una lástima el cierre de Frida, y es probable que toquemos antes de que cierre, tenemos muchas ganas porque estamos re encariñados con ese lugar aparte de que sea de unos amigos nuestros pero el lugar… como que tocar ahí tiene un calorcito así… humano muy bueno tenes a la gente cerca, a la columna cerca jajaja. Pero bueno nada…es tocar en casa, es tocar en el oeste.
AZ charló con Santiago Motorizado de El Mató a un Policía Motorizado y se metió de lleno en la “gira del nuevo magnetismo”.
Desde hace un tiempo que El Mató, dejó de ser una promesa para ser una realidad. Es una de las bandas nacionales “que tienen otra búsqueda”, como bien afirma Santiago Motorizado, cantante y bajista de los oriundos de La Plata, la famosa ciudad de las diagonales y cuna de una mística copera y ricotera. En está era del “indie barrial”, El Mató es el máximo exponente de una movida diferente y fresca a la ofrecida por el clasico rock nacional. Y ahora la banda se va a girar por el viejo mundo, espero que vuelvas chica rutera.
AZ: ¿Cuáles son las nuevas noticias en el universo de El Mató?
Santiago Motorizado: Y que ya estamos preparando canciones nuevas, para grabar en algún momento del año un disco nuevo. Y ahora vamos a seguir tocando, a fines de mayo (nota de edición: 27 de mayo) vamos a estar tocando en el Primavera Sound en Barcelona y eso ahora es lo más loco que te puedo contar.
AZ: ¿Cómo surgió esa propuesta de tocar en Barcelona?
SM: Y surgió porque armaron un escenario “Porao do Rock”, que es un festival importante en Brasil. Nosotros tocamos en la última edición en Brasilia. Y bueno la gente que estaba organizando eso, también nos invitó a participar del escenario. Por el lado de Brasil nos infiltramos jajaja.
AZ: Jajaja, bastante impensado lograr esto cuando sacaron el primer disco en el 2004, ¿no?
SM: Obvio, es increíble, es impensado de cualquier época, pensar que muchas bandas, no sé si habrá tocado alguna banda argentina ahí, no tengo idea igual mucho… la historia. Pero es como difícil, no le dan mucha bola al rock latinoamericano, como que no lo tienen mucho en cuenta, no lo conocen tampoco creo, ¿no? desde la organización. Bueno, salió está posibilidad y está bueno, es genial, es muy loco.
AZ: Ustedes no vienen de la tradición del típico rock nacional, más bien tienen una impronta, por dar un ejemplo, del estilo de Sonic Youth y de todo el universo alternativo. ¿Cómo se sienten con eso?
SM: El Mató es una mezcla de todo, o sea no es Sonic Youth en castellano, ni tampoco Los Piojos, ni nada. Es una mezcla de varias cosas y está bueno. Tiene personalidad y estamos contentos con eso, con lo que hacemos.
AZ: ¿Cómo toman ustedes haber logrado toda está repercusión, siendo independientes?
SM: Está bueno eso digamos, que seamos independiente, que ya hacemos todo nosotros desde el principio. Que la banda aparezca en lugares que por ahí antes eran totales de la industria, del mainstream, está bueno. Colarse es divertido, está bueno que se vayan colando más bandas independientes y se vaya rompiendo toda esa estructura obvia, digamos.
AZ: Siendo ustedes la cara visible, de toda una movida con Laptra y de varias bandas de la zona sur, creo que los pone como ejemplo a seguir por las bandas nuevas. ¿No? ¿Cómo lo ven a esto?
SM: Eso está bueno, si, yo veo que muchas bandas, mas allá de lo musical ¿no?, que ven lo que hacemos como “una especie de camino a seguir”. Viste que cada uno tiene su personalidad igual y hace cosas diferentes pero está bueno. Y toman el hecho de que nosotros siempre hicimos lo que quisimos y bueno, ellos hacen lo mismo. Algunos se dedican más a unas cosas, otros a otras, pero está bueno eso. Ellos supieron que nosotros haciendo lo que queríamos, estamos bien, la pasamos bien, hicimos las cosas bien y entonces se genera eso nuevo que está buenísimo y eso es genial.
AZ: ¿Qué tal estuvo la experiencia de actuar en la película Ocio?
SM: Estuvo divertido. Me llamó Lingenti, el director, que es amigo mío. No la vi yo todavía, los días que estuvo en el BAFICI no pude verla, así que no se no puedo opinar de la película, ajajaj.
AZ: Jajajaj ¿Pero cómo te sentiste vos?
SM: Yo me sentí bien. Capaz que en un momento la flasheé y capaz que me puse un poco nervioso pero fue divertido. No sé ahora me va a dar un poco de vergüenza ir a verla ajaja, pero bueno, todo bien. Estuvo divertido.
AZ: ¿Y Gimnasia? ¿Cómo te sentis con su situación?
SM: Ahora estoy tranquilo, yo quería que se vaya Chaca y se fue… y Atlético también. Así que por lo menos estamos tranquilos del descenso directo. Pero bueno la promoción también es una experiencia media fea, pero bueno vamos a ver qué sale de todo esto.
Divididos, la aplanadora del Rock and Roll, rompió el silencio discográfico y luego de más de ocho años desde la salida de su última placa “Vengo del Placard de otro”, lanzó al mercado el flamante “Amapola del 66” que lejos del ser un mero disco más en la vasta discografía de la banda de Hurlingham, se trata de un nuevo punto de partida para la banda.
Es el primero editado en forma independiente por “La Calandria”, el sello propio de Divididos y es también el primero editado con la participación de Catriel Ciavarella en la batería (quien toca con la banda desde mediados de 2005), y eso en un trío de Power Rock no es poca cosa.
Lo primero que hay que mencionar es que la salida de un nuevo disco por parte de cualquier banda consagrada -sea nacional o internacional- genera muchísimas expectativas, más si se tratan de ocho años de espera. Ya desde su primera escucha “Amapola del 66” cumple largamente con las expectativas generadas. De hecho es una excelente disco de Rock que respeta el estilo histórico que les brindó el mote de aplanadora, suma nuevos sonidos y estilos, y significa sin dudas uno de los mejores lanzamientos discográficos de los ultimos tiempos. Es que Divididos parece rescatar su sello distintivo de siempre y lo refleja canción a canción.
A diferencia de su antecesor “Vengo del placard…’’, en el cual casi no se advierte ningún solo de guitarra, en este nuevo disco el motor y corazón de la obra es la guitarra de Mollo con sus arreglos y solos que suelen ser hasta dos o tres por canción. Esto queda reflejado en el tema “Boyar nocturno”, una gran balada que rememora a históricas canciones de bandas legendarias como “Confortably Numb” de Pink Floyd, con dos solos que atraviesan el tema: uno mas cristalino y puro, y el otro -el final-, más agresivo y furioso.
Se advierten también en varias de sus canciones cambios de ritmos y tiempos abruptos, como por ejemplo en el tema que abre el disco, “Hombres en U”, con un gran arranque a pura potencia que nos traslada a los grandes inicios de obras cumbres de la banda como “Salir a Asustar” o “Casi Estatua”; también en canciones como “Buscando un Ángel”, una canción que relata la búsqueda por parte de un ser solitario en medio de una metrópoli que necesita ser escuchado por alguien, donde se pasa de un Rock potente y veloz a un Reggae; o en “Mantecoso”, que a modo de homenaje recuerda una anécdota en tiempos de Sumo relacionada a los viajes de la banda e incluye a Gillespie, y se pasa de un potente Funk-Rock a la entrada de un gran solo blusero ejecutado por Mollo.
Hay reminiscencias a los grandes violeros que influenciaron a Mollo como Hendrix o Pappo, cosa que se deja entrever en los geniales y multitudinarios arreglos y solos de guitarra y hasta alguna influencia beatle que nos recuerda a temas como “Straberry Fields Forever”, por ejemplo en algunos pasajes de “Muerto a laburar”, uno de los puntos más altos del disco. La canción comienza suave, en formato balada, para subir rápidamente y explotar con un gran estribillo. La letra parece hacer referencia a Luca (…”justo a 20 años del adiós”...), pero bien puede aplicarse a cualquier héroe muerto de la cultura rock (Lennon, Morrison, Cobain…), y describe ese cruel mecanismo morboso de la industria capitalista, que incluye la venta de todo tipo de productos como remeras o banderas y que juega con la pasión de la gente “…Ay! si volvieras acá no podrias creer, lo que pasó… hoy, sos el morbo pasión, capo del algodón, bandera y ringtones…”, reza la letra en todo una declaracion de principios.
Y si de principios hablamos debemos mencionar a “Amapola del 66”, el tema que da título al disco y que oficia como primer corte de difusión. Este tema, parece resumir perfectamente el concepto del disco: la letra dispara mensajes de esperanza alentadores en frases como”Ponte de pie!, hombre ilusión”. Prioriza el contacto humano y relacional en frases como “…todo esta vivo a pesar del dolor, si me sonreís…” por sobre el advenimineto de la tecnología y rescata el valor del contacto con la naturaleza, algo que queda claro con la hermosa foto de tapa del disco.
El disco incluye un homenaje al norte argentino en general y al pueblo jujeño de Tilcara en particular, lugar elegido por la banda para la presentación en vivo del disco, en dos grandisimas canciones, “Senderos” y “Jujuy”, que son atravesadas y unidas por un poema relatado por el poeta jujeño Germán “Churqui” Choquevilca. En “Jujuy”, Mollo se queja y lamenta por lo que la tecnologia y la posmodernidad generaron en cuanto a la destrucción de los hermosos paisajes naturales del valle jujeño,o lo ocurrido en materia de saqueos y violencia. También incluye la infaltable canción folcklorica a las que Divididos nos tiene acostumbrados desde hace tiempo. “La flor azul”, compuesta por Mario Arnedo Gallo -padre del bajista Diego Arnedo-, en formato de chacarera, y hasta una canción acústica compuesta y cantada por el propio Arnedo, llamada “Avanzando retroceden”,algo que no sucedía desde el tema “Hace que hace” del disco “Otroletravalanda”, de 1995.
¿Dónde vas?, ese es el título que Eduardo ''Skay Beilinson eligió para su cuarto disco solista. En realidad ya no tan solo. Nuevamente el guitarrista se presenta en presencia de ''Los Seguidores de la Diosa Kali'', lo cual nos transmite el mensaje de que aquí lo que hay es una banda bien compacta y aceitada que suena con contundencia, arreglos bien ejecutados, con la guitarra de Skay como el corazón y horizonte lógico del grupo, pero con una presencia bien marcada del resto de los componentes. El bajo a manos de Claudio Quartero, quien participa como co-compositor en dos canciones,suena punzante y arremete en temas como ''Lejos de casa''; la batería a cargo del ''Topo'' Espíndola marca el ritmo, y la segunda guitarra de Oscar Reyna ya no solo acompaña sino que ahora toca solos y riffs. La banda se completa con Javier Lecumberry en teclados. Cuando uno está en presencia del disco, surgen rápidamente dos conclusiones. Por un lado, el diseño y la presentación del mismo: una especie de obra artística monumental creada una vez más (como a lo largo de toda la saga solista de Skay) por el maestro Rocambole. El disco viene dentro de un libro acordonado, con marcas y letras en relieve, envuelto en un pedazo de tela e inserto en una caja, que en su portada presenta un reloj de arena, con arena auténtica dentro. Una obra maestra del ''mono'' Cohen, que continúa la línea inagurada con Los Redondos en Luzbelito (1996) y continuada con Ultimo bondi a Finisterre(1998), Momo Sampler(2000) y todos los discos solistas de Skay. Discos todos ellos editados bajo una presentación artesanal, original y con un packaging sorprendente, que en épocas de crísis de la industria discográfica, dan buenos motivos, más allá de su gran música, para querer comprar el álbum y no bajarlo de la red. Lo segundo que podemos deducir es que se trata del primer disco conceptual de Skay. Hay dos grandes temáticas que recorren y atraviesan la obra. Por un lado la mención a los viajes y las distancias, y por otra lado la idea del tiempo y su paso en la vida de los seres humanos. Desde su título, el mencionado reloj de arena en la tapa, su lírica y poesía, y el nombre de algunos tracks como ''Lejos de casa'', ''El viaje de Mary'' y ''La luna en Fez'', el álbum parece estar unido por una idea común. Precisamente con ''La luna en Fez'' comienza el disco. El tema, inicia con reminiscencias a la musica oriental y cuenta con Sebastián Fentanes (Xeito Novo y Noitebra) tocando la gaita. La letra y su música hacen alusión al último viaje del guitarrista, en compañía de Poly, precisamente a Fez, Marruecos. Skay, ya desde su paso por Los Redondos, mostró siempre simpatía por la música de Oriente y este viaje a Fez, y el impacto que causaron en él la cultura Oriental, parecen una confirmación. La analogía con George Harrison (fuente de inspiración e influencia para Skay), sus viajes a la India y la aplicación de la música india al imaginario Beatle, es inevitable. En el arranque del disco destacan dos canciones. Una, ''En el camino'', un rock sencillo y a medio tiempo, con la banda zapando en el final y aplausos incluidos, contiene una de las letras más significativas del disco. Skay en toda una declaración de principios parece resumir perfectamente su espíritu actual y el estado de las cosas en época post-Redondos, como así también algunas confirmaciones de su ideología libertaria con hechos que ocurrieron en el pasado, en frases como...''El rebaño abandoné, yo decido caminar, libre bien libre por allí, y al destino desafiar...'', o ...''Mi buena estrella guía no me abandonará, nada tengo que perder y nada que ganar, yo prefiero desafiar al destino, y recorrer los caminos de la libertad ''.... La otra, ‘‘Aves Migratorias'', apoyada en un doble riff de guitarra, que nos recuerda al sonido de ''Humano roto y mal parado'' y que sigue la línea de ‘’Síndrome del trapecista’’ y de ‘’Tal vez mañana’’ de su etapa solista, lo consagra a Skay una vez más como genio-creador de esa inagotable fuente de riffs de sello propio y distintivo. Su letra hace relación a los pensamientos, a los cambios de conciencia y a dar rienda suelta a la imaginación, con metáforas que incluyen a las aves y a los pájaros. Skay refuerza su visión apocalíptica de la condición humana en tiempos modernos, en temas como ''Territorio caníbal'' y ''Aplausos en cosmos'', una marcha cadenciosa y que avanza a pasos firmes en la cual declara...''Crueles mentirosos, violentos e implacables, tiranos y oprimidos, somos la humanidad''. También los oídos ricoteros más puristas celebrarán con gusto a ''Suelo Chamán'' y ''El viaje de Mary'', dos canciones sostenidas por un poderoso e implacable riff, que bien podrían haber sido incluidos en ''La mosca y la sopa'' o ''Un baión para el ojo idiota''. ''Tarde de lluvia'', un blues oscuro, enigmático y misterioso que incluye ''...un homenaje a Manal... ‘‘(Skay dixit), la bella melodía que hipnotiza en el potente estribillo de ''La rueda de las vanidades'', el mencionado bajo en ''Lejos de casa'' y la guitarra acústica, en clave country y bluesera, de ''La pared rojo lacre'' completan un gran disco del guitarrista Redondo, que lo confirman como una gran compositor al frente de una banda potente y entrenada.
La banda californiana junta once de sus mejores canciones y les dan vida en una atmósfera relajada y divertida, tal es el caso del track cuatro de este disco: "No Scrubs", tema del trío de Rhythm & Blues TLC, muy popular a mediados de los noventa en las lejanas tierras del norte. Brandon Boyd hace gala del manejo de su voz en temas como "Make Yourself", "Clean" y en "A certain shade of green", que además como anticipa el propio Boyd es una versión más lounge. Aún así, la joyita de este acústico es "I miss you". Si antes hacíamos mención del despliegue vocal del líder de Incubus en otras canciones, ciertamente se guardó lo mejor para cerrar el unplugged.
Año 2007, verano.
